Mithridate de Jean Racine (Folio - théâtre - 160 pages)

Edition présentée, établie et annotée par Georges Forestier ----------------------------

Mithridate s'est montré un courageux adversaire de Rome presque "indestructible" !!! Il a été trahi par son propre fils, rejeté par ses soldats l'obligeant à se faire transpercer par un de ses derniers fidèles. Cette mort en a fait l'un des emblèmes tragiques de la résistance à l'impérialisme romain, le rangeant dans les "héros - types" de tragédie.

Louis XIV a beaucoup aimé la pièce mais par la suite la tragédie a vécu un long purgatoire.

Racine reprend la théorie d'Aristote qui dit qu'une bonne tragédie doit s'appuyer sur une mort entre membres d'une même famille, la trahison d'un fils allant bien ici avec l'esprit de "Mithridate". La force de Racine est de faire de cette mort un "coup de théâtre, à la manière de Cinna de Corneille. Et Racine introduit également une histoire d'amour et de rivalité amoureuse, créant ainsi une tragédie dans la structure dite "d'action complexe". Racine a longtemps résisté à ce style car Corneille en avat fait la manière de ses pièces et Racine voulait se détacher du "maître". Mithridate a été un oppresseur avant de devenir une victime. Racine montre également le défaut qu'il avait d'être très jaloux.

Acte I : On dit que Mithridate est mort. Xipharès est resté fidèle à son père tandis que depuis longtemps déjà, Pharnace est acquis à la cause romaine. Et en plus, les deux fils et le père aiment la même femme, Monime. Elle ne cèdera jamais aux romains qui ont tué son père. Très vite, on annonce le retour de Mithridate.

Acte II : Mithridate explique qu'il a été vaincu par les romains et a dû fuir clandestinement. Il comprend que Pharnace l'a doublement trahi : par les armes et par l'amour. Par contre il fait l'éloge de son autre fils.

Acte III : Mithridate s'entretient avec ses deux fils de son projet de reconquête de l'Italie. Il interroge directement celle qu'il doit épouser qui dit alors aimer Xiphares, car il veut savoir où en sont ces "amours", lui qui se montre très jaloux.

Acte IV : Mithridate isole Xiphares, lequel fait ses adieux à Monime ce qui montre à quel point Mithridate peut être tyrannique. Et brusquement, il comprend qu'à cause de cette femme, il a failli écarter son fils qui lui est d'un grand secours dans ses faits d'arme. Et Pharnace est prêt à se rendre aux romains qui sont aux portes de la ville.

Acte V : Monime tente de s'empoisonner mais Mithridate veut la sauver tandis que lui n'a plus aucun espoir de vivre...

Amours et loyauté contrariées tout au long de la tragédie qui montre bien ces retournements de situation entre des personnages qui ne sont plus vraiment maîtres de leur destinée.

Cette tragédie est à lire d'autant qu'elle est moins connue que les autres oeuvres de Racine. Elle est intéressante dans le contexte du XVIIe siècle qui a été le siècle du grand retour à la tragédie.

Bonne lecture,

Denis

Je n'emporte rien du monde de Clémence Boulouque

(Gallimard - 92 pages - décembre 2012)

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Qui a vécu la mort brutale d'un père comprendra le sens des mots de Clémence Boulouque avec "acuité" : Page 72 : "...Avoir l'âge de ses blessures malgré les années accumulées. Avoir deux âges. J'avais encore treize ans à l'époque. J'aurai toujours treize ans. Depuis, j'ai aussi seize ans. Mes trente ans et des poussières, eux, ne font que passer... Ces deux âges, que d'autres ont mieux qui moi connus, ont été fracturés par des douleurs précoces".

Clémence Boulouque est devenue écrivaine en faisant un premier récit " en 2003 "Mort d'un silence", écrit pendant que les tours de Manhattan tombaient à New York, et dans lequel elle racontait sa vie d'enfant bouleversée, ravagée par la mort brutale de son père, celui que l'on connaissait comme étant "le juge Boulouque". Il s'est suicidé avec son arme de service alors qu'il enquêtait sur des affaires liées aux attentats de 1986 à Paris, le 13 décembre 1990.

Clémence Boulouque, devenue adulte, a voulu raconté ces moments d'angoisse d'une adolescence perturbée par l'obligation d'avoir des gardes du corps et meurtrie par ce drame brutal qui a arrêté les compteurs alors qu'elle avait 13 ans. Trois ans plus tard, sa meilleure amie se suicide en octobre 1993. Elle avat alors 16 ans. Deux drames, deux suicides et en 2012, un nouveau récit "Je n'emporte rien du monde" est écrit par l'auteure qui fait se croiser ces deux drames qu'elle a vécus en pleine adolescence, au moment où l'enfance passe. Premiers amours, intimité entre filles pour parler de la vie, des émois. Et tout vole en éclat quand une amie téléphone pour dire que Julie est morte.

La mort du père ressurgit. C'est trop pour une jeune fille, ces morts brutales. Page 59 : "Nos morts et leur principe d'incertitude. // La parenthèse de leurs vies semble parfois incernable, les voix s'échappent, refluent, plus fortes que jamais, plus fortes qu'aujourd'hui, plus fortes que nous, que moi. // Il m'arrive de douter d'avoir jamais eu un père, et une amie qui s'appelait Julie. Et je sais qu'ils sont ici, à force de ne plus y être. Plus forts que s'ils y étaient encore. // Ils nous ont happés, dans leur disparition. Aimer un mort, partager son absence, c'est n'être déjà plus ici".

Phrases fortes, des hymnes d'amour et de détresse, seule face à ces morts voulues...

Mon père est mort brutalement, lui dans un accident de voiture. J'avais quatorze ans, c'est dire combien ces deux livres de Clémence Boulouque lus à quelques années de distance, m'ont marqué et m'ont rapproché des préoccupations de l'auteur. Ma jeunesse s'est arrêtée un 21 novembre 1970... Et comme Clémence Boulouque, une horloge interne s'est arrêtée ce soir-là.

Le titre du livre est venu d'une citation d'Isaie "Je n'emporte rien du monde", lue à l'occasion du kippour, car les Boulouque sont juifs même si la religion n'est pas le tissu de leur vie. Mais ce jour du Grand Pardon reste une tradition à respecter...

Un livre émouvant, comme une litanie, poétique de grande classe de surcroit pour parler des morts et de la vie qu'il y a eu avant, avec le père et Julie, car pour rappel c'est elle qui a conduit à ce nouveau récit de Clémence Boulouque... que je recommence à ceux qui ont vécu ces drames de la mort brutale et aux autres aussi pour qu'ils comprennent mieux ce que l'on ressent dans une adolescence blessée à jamais...

Denis

La lettre écarlate de Nathaniel Hawthorne (GF Flammarion - 300 pages) Traduit par Marie Canavaggia

Préface, chronologie, bibliographie, notes par Serge Soupel 

Titre original : The Scarlet Letter (1850)

Couverture : Lilian Gish dans The Scarlet Letter de Viktor Sjostrom (1926)

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Le livre, publié en 1850 aux USA, eut un grand succès. C'était le premier roman de la tradition américaine. L'on a dit que c'était le chef d'oeuvre de l'auteur. Henry James l'a porté aux nues, le déclarant "beau, admirable, extraordinaire et le plus lugubre de langue anglaise".

Il est le livre d'un pessimiste.

Nathaniel Hawthorne (1804-1864) a été blessé à l'âge de 9 ans. Isolé, il se met à lire avec goût et s'accoutume à l'introspection. Il veut alors devenir écrivain, se coupant du monde autant qu'il le peut, n'étant jamais un homme de son temps, s'intéressant peu à la vie américaine sauf aux époques passées.

"La lettre écarlate" se situe en plein XVIIe siècle puritain et parle d'un adultère et de ses mauvaises suites. Il ne présente que les conséquences de l'acte et le vrai moteur du livre est le "diable".

On l'a comparé à Dickens pour la qualité de ses portraits. Et c'est dans leur goût du conte fantastique qu'Hawthorne et Poe se rejoignent. Et Hawthorne fut le grand ami d'Herman Melville.

(Informations issues de la préface de Serge Soupel.

L'histoire est assez simple. Le livre débute en 1642, au moment où l'on exhibe sur la place du marché de la ville très puritaine de Boston (Massachusetts), une jeune femme adultère.

Chapitre II (début - page 69) : "Sur le carré d'herbe devant la prison stationnait donc certain matin d'été, il n'y a pas moins de deux siècles, une foule assez nombreuse d'habitants de Boston qui tenaient tous leurs regards fixés sur la porte de chêne cloutée de fer... (page 70) : Quand la jeune femme, la mère de l'enfant, se trouva pleinement exposée à la vue de la foule, son premier mouvement fut de serrer étroitement le nouveau-né contre elle... (page 71) : Sur le corsage de sa robe, en belle étoffe écarlate et tout entourée des arabesques fantastiques d'une broderie au fil d'or, apparut la lettre A."

Hester Prynne est ainsi montrée au lynchage d'une foule euphorique pour montrer combien l'adultère est une faute impardonnable. Elle devra garder cette lettre (A comme adultère) sur elle jusqu'à sa mort. Son bébé s'appelle Pearl et elle va devenir une fille sauvage, née de la honte. Hester refuse de dire qui est le père. Mais son mari revient à Boston et assiste à la scène. Il est médecin des Indiens depuis les années où il a abandonné sa femme. Son nom : Roger Chillingworth. Il voit le jeune prêtre Arthur Dimmesdale et comprend très vite que cet homme pourrait être le père de Pearl. Sans certitudes, il va tout de même tout faire pour que le prêtre "tombe". Ainsi, il aura sa vengeance assouvie. Il s'installe d'ailleurs chez lui et se propose comme son médecin, d'autant que le jeune homme est frêle et faible mentalement. Il se laisse dominer par Roger. De son côté, exclue de la vie locale, Hester se retire du monde et s'installe à la périphérie de la ville. Le roman se déroule sur 7 ans et on voit au fil des mois qu'une certaine "réhabilitation" est possible car en période d'épidémie elle se montre dévouée aux autres, les soignant puis se retirant près de la mer dans sa "cabane". Pearl grandit et Hester est son professeur car elle veut éduquer sa fille pour en faire plus tard une "vraie femme".

Action dramatique autour de ces trois personnages principaux qui vont vouloir démêler l'écheveau de ces relations antérieures à la période décrite. Hester ne veut plus être soumise à son mari et veut aussi protéger le fragile Arthur. Elle se montre artiste dans le récit, ce qui la sauve aussi auprès des autres, car elle brode les robes des mortes. Sa lettre écarlate devient belle et elle en détourne le sens par ce biais...

Je ne raconterai pas la fin "tragique" de ce drame "romantique" même si le livre étant un classique, le dénouement est généralement connu...

C'est un excellent roman très bien écrit, "romantique" oserais-je dire, car il est tragique et montre les états d'âmes de chacun... A lire absolument...

Je terminerai en citant la 4e de couverture qui est un avis très pertinant de l'écrivain franco-américain Julien Green (1900-1998) : "Sur Hawthorne que l'on range parmi les introspectifs, le monde visible exerçait une fascination extraordinaire. Une cheminée fumant sous la pluie, un sourire à peine esquissé sur un visage humain, un bras qui se tendait par une fenêtre, tout lui servait de point de départ pour des méditations en quelque sorte infinies. Ce long regard pensif, lorsqu'il se tournait vers le monde intérieur, y découvrait des rapports secrets entre les desseins des hommes et le jeu délicat d'une volonté souvent incompréhensible qui les domine et les modifie".

Bonne lecture,

Denis

Cinna de Pierre Corneille (Livre de Poche - Théâtre de Poche - 186 pages) Préface, notes et commentaires de Christian Biet

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Corneille écrit Cinna après le succès et la polémique autour du Cid, dite "Querelle du Cid". Il se veut à présent écrivain professionnel publiant à compte d'auteur Cinna début 1643 pour en avoir tous les droits. Il entend se rémunérer aussi sur les représentations de la tragédie.

Jouée en 1642, la pièce coïncide avec la fin du règne de Richelieu et l'excécution de Cinq-Mars auteur d'une conjuration. Ainsi, la libéralité et la clémence d'Auguste ont à voir avec le contexte politique de l'époque de la pièce.

Corneille soigne aussi sa popularité en dédicaçant Cinna à un riche mécène de l'époque, Monsieur de Monteron.

Choisir Rome comme terrain d'une tragédie est conforme à la tradition du temps car on y puise tout ce qui peut se faire à l'époque actuelle et les transpositions sont aisées à réaliser. Et choisir Auguste et Cinna, c'est montrer la clémence d'un Empereur à l'égard d'un conjuré. L'action se déroule sur une journée en 6 av. JC tantôt chez Emilie, tantôt chez Auguste (Corneille avait déjà transgressé l'unité de lieu dans le Cid). Emilie, le personnage féminin, est inventée. Par contre, les autres personnages sont réels et inspirés par le texte de Sénèque "De clementia", commenté par Montaigne dans ses "Essais" (Livre 1, chapitre XXIV). Deux textes mis en exergue par Corneille.

5 actes pour dénouer la conjuration fomentée par Cinna et Maxime et suggérée par Emilie qui en veut fortement à Octave César Auguste, l'Empereur de Rome. En effet, son père Toranius a été proscrit et tué sur ordre d'Auguste. D'ailleurs, Auguste est considéré par le peuple comme tyran et le tuer permettrait de redonner la liberté à Rome.

Emilie dit à l'acte I, scène 2 :

"Et faisons publier par toute l'Italie :

"La liberté de Rome est l'oeuvre d'Emilie ;

On a touché son âme, et son coeur s'est épris ;

Mais elle n'a donné son amour qu'à ce prix."

Cinna est prêt à tout pour l'amour d'Emilie. Toutefois, à un moment il doute de l'intérêt de cette conjuration, surtout qu'Auguste l'a reçu avec son ami Maxime pour leur demander leur avis sur l'intérêt pour l'Empereur de rester au pouvoir, car il se sent usé, fatigué.

Mais Emilie ne lâche pas sa pression, sans savoir qu'un traitre, Euphorbe (affranchi de Maxime) va dénoncer la conjuration auprès d'Auguste. Maxime n'est pas étranger à cette trahison. Comment va réagir Auguste ? Le dénouement sera révélé dans la dernière scène, tenant en haleine le spectateur. La clémence devrait être sa sentance d'autant que le premier titre de la pièce était "Cinna ou la Clémence d'Auguste". Le titre est devenu "Cinna" pour tenter de laisser quelque "suspens".

Cette Clémence est historique et Corneille est vraiment resté fidèle au récit de Sénèque.

Aime-t-on encore lire les tragédies classiques de nos jours? La rhétorique politique est parfois lassante mais le rythme général de la pièce nous laisse un certain plaisir de lecture. Je ne cacherai pas que Shakespeare et Calderon m'ont tout de même plus passionnés car plus "originaux", plus poétiques, moins "plaqués" que ces alexandrins rythmés sans faille par Corneille. La seule "fantaisie" vient que le drame a ici un "happy end", personne ne mourant à la fin de la pièce.

Bonne lecture,

Denis.

La vie est un songe de Pedro Calderon de la Barca

(Classiques de Poche - Le livre de poche 200 pages)

Traduction de l'espagnol par Antoine de Latour,

revue par Didier Souiller

Introduction, commentaires de Didier Souiller

Titre original : La vida es sueño

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L'Espagne est très puissante au XVIIe siècle de par ses conquêtes en Amérique. Ce "siècle d'or" est très fructueux en matière artistique. Ce siècle s'est fondé aussi sur des valeurs : l'honneur, le service du roi et le divin, ce que l'on retrouve dans le théâtre de l'époque.

"La vie est un songe", écrite vers 1627-1629, développe une réflexion sur la liberté, le destin et le sens du monde, un monde piège illusoire. L'homme doit se déprendre du monde qui l'aliène et le conduit à sa perte. L'autre vie, celle d'après la mort, est la seule réelle, lorsque l'on franchit la porte de la mort.

Trois hommes dominent le théâtre de cette époque : Lope de Vega (1562-1635), Calderon (1600-1681) et Tirso de Molina (1579-1648). C'est l'âge du baroque européen où le rythme classique énoncé par Aristote est bafoué. Seule la France restera fidèle aux 3 unités dictées par l'Antiquité : temps, lieu et action. La littérature baroque s'interroge sur l'image d'un homme assailli par ses passions d'où la recherche obsédante de la connaissance de soi (cf. Descartes, Pascal ...).

La grande leçon du drame baroque est que le monde est un théâtre où tout le monde joue la comédie sous l'oeil de l'autre. Ainsi, l'erreur et l'illusion (ici le songe) sont les maîtres mots.

(Informations issues de la très riche présentation faite par Didier Souiller) 

Trois journées composent cette pièce. Trois moments phares autour de Sigismond, héritier du trône de Pologne. Et oui, à l'époque, il valait mieux transposer les scènes de Cour loin du pays de l'auteur.

Et Sigismond est le mal aimé. Son père, Basilio, l'a écarté de tout espoir de pouvoir dès sa jeunesse au point qu'au début de la tragédie, il est enfermé dans une tour loin des regards, gardé par un vieillard Clotardo. C'est là que Rosaura et Clarin arrivent par hasard un soir, entendant la voix plaintive et monotone de l'infortuné prince.

Soudain, Basilio se décide à mettre à l'épreuve du pouvoir son fils. Il imagine alors un stratagème : l'endormir et le droguer pour le sortir de sa tour et l'amener au palais. C'est alors le thème de la 2e journée : comment Sigismond va se comporter ? Il se montre très gauche mais non ridicule. Et puis, surtout, il prend cette aventure dont il ne comprend rien pour un "songe", un rêve qu'il est en train de vite. D'ailleurs, quand il va retourner dans sa tour, il va être persuadé de vivre dans un rêve.

Fin de la deuxième journée : "Dans ce monde , en conclusion, chacun rêve ce qu'il est, sans que personne s'en rende compte. Moi, je rêve que je suis ici, chargé de ces fers, et j'ai rêvé que je me voyais dans une autre condition plus flatteuse. Qu'est-ce que la vie ? - Une fureur. Qu'est-ce que la vie ? - Une illusion, une ombre, une fiction, et le plus grand bien est peu de choses, car toute la vie est un songe, et les songes mêmes ne sont que songes".

Et puis, le peuple va comprendre que Sigismond est bafoué dans ses droits, car Adolfo, duc de Moldavie, devrait succéder à Basilio. Alors, le peuple se révolte et libère le prince de sa tour pour le porter vers la guerre et la prise du pouvoir. C'est alors que Rosaura prend partie pour Sigismond, espérant pouvoir l'espérer, mais le destin d'un prince est tracé et c'est Estrella qui lui est promise s'il parvient à conquérir le pouvoir.

Nous avons ici un drame baroque passionnant, axé sur la métaphysique et la réflexion sur la vie, sur le destin humain "romanesque", rêvé avec espoir d'un "ailleurs meilleur". Un certain fatalisme s'est installé chez Sigismond dont il doit se réveiller... Une magnifique pièce à lire, découvrir et méditer, en un siècle difficile, de mutation qui va lentement vers les "lumières" du XVIIIe siècle.

Bonne lecture,

Denis.